Эта статья входит в число добротных статей

Увертюра

Перейти к навигацииПерейти к поиску
Эта статья — о музыкальном термине. О стихотворении Северянина см. Ананасы в шампанском.

Увертю́ра (фр. ouverture от лат. apertura «открытие; начало») — развёрнутая пьеса, инструментальное вступление к театральному спектаклю, чаще музыкальному (опере, балету, оперетте), но иногда и к драматическому, а также к вокально-инструментальным произведениям — кантатам и ораториям или к инструментальным пьесам сюитного типа. Начиная с XX века такого рода музыкальные вступления нередко предваряют и кинофильмы[1].

Особой разновидностью увертюры является жанр симфонической музыки, появившийся в XIX веке, — концертная пьеса, исторически также связанная с музыкальным театром[1].

История термина

Термин «увертюра» утвердился во второй половине XVII века во Франции, но повсеместное распространение получил далеко не сразу. Уже в самых ранних операх присутствовали инструментальные эпизоды: вступления к каждому акту, звукоизобразительные картины, развернутые танцевальные интермедии; со временем инструментальные эпизоды, вынесенные за рамки спектакля, превратились в относительно развитое и завершённое произведение, предваряющее действие[2], но первоначально за ним закрепилось название «симфония»[3]. В некоторых странах оно сохранялось вплоть до конца XVIII века: ещё В. А. Моцарт в 1791 году называл «симфонией» увертюру к своей «Волшебной флейте»[4].

История оперной увертюры

Первой увертюрой принято считать токкату в опере Клаудио Монтеверди «Орфей», написанной в 1607 году. Фанфарная музыка этой токкаты переносила в оперу давно сложившуюся в драматическом театре традицию начинать представление призывными фанфарами[1]. В Италии в XVII веке вошло в обычай начинать оперу небольшой по объёму канцоной или синфонией — таким образом начала складываться увертюра итальянского типа[5].

Французская увертюра

В XVII веке в западноевропейской музыке сложились два типа оперных увертюр. Венецианская состояла из двух частей — медленной, торжественной и быстрой, фугированной; этот тип увертюры впоследствии получил развитие во французской опере, её классические образцы, и уже трёхчастные (крайние части в медленном движении, средняя — в быстром), создал Ж.-Б. Люлли[1][3]. В первой половине XVIII века «французские» увертюры встречались по всей Европе, кроме Италии, в том числе в сочинениях немецких композиторов — И. С. Баха, Г. Ф. Генделя, Г. Ф. Телемана, не только в операх, кантатах и ораториях, но и в инструментальных сюитах; увертюрой при этом иногда назывался весь сюитный цикл[1].

Как музыкальная форма французская увертюра впервые появляется в придворном балете (ballet de cour). Двухчастная форма под названием Ouverture в балете известна с 1640 года[6]. Она представляет собой противопоставление двух старинных танцев, отличающихся друг от друга по характеру и довольно часто исполнявшихся друг за другом: паваны (медленного вступления) и гальярды (быстрого движения), символически увертюра представляла церемониал выхода монарха со свитой[7]. Её вступление подобно маршу, ритмичному началу которого противостоит оживлённое фугированное завершение. Увертюра часто сопровождалась серией танцевальных мелодий перед поднятием занавеса и часто исполнялась и после пролога, чтобы предварить собственно действие. Так в опере Люлли «Тесей» увертюра начинает и завершает пролог оперы. У Люлли встречаются и медленные заключения увертюры: две части, выдержанные в «торжественном» духе, разделены между собой второй оживлённой[8][9]. При этом медленные части увертюры написаны для пяти голосов — возможно, здесь сказалось влияние мадригальной музыки — с увеличенными наполовину длительностями. Завершающая медленная часть у Люлли чаще отличается от первой[10].

Французская увертюра использовалась в английской опере, например в «Дидоне и Энее» Генри Перселла. Французскому стиль увертюры встречается в произведениях композиторов позднего барокко, таких как Иоганн Себастьян Бах, Георг Фридрих Гендель и Георг Филипп Телеман. Этот стиль чаще всего используется в прелюдиях к сюитам и встречается в вокальных произведениях, таких как кантаты, например, в первом припеве кантаты Баха Nun komm, der Heiden Heiland, BWV 61. Гендель также использует французскую увертюру, например, в «Юлии Цезаре»[11].

Значительный вклад в развитие французской увертюры внёс Жан-Филипп Рамо. В его первой музыкальной трагедии «Ипполит и Арисия», написанной для Королевской оперы, музыка увертюры образно связывается с содержанием самого произведения. При сохранении чередования частей, введённого Люлли, увертюра «Ипполита и Арисии» отражала конфликт двух главных героев драмы: Федры и Ипполита[12].

В середине XVIII века французский тип увертюры уже считался не отвечавшим запросам времени, а итальянская увертюра захватила первенство[13], получив развитие в произведениях таких композиторов, как Гендель, Хассе, Галуппи и Йоммелли[14].

Неаполитанская увертюра

Неаполитанский тип увертюры, введённый Алессандро Скарлатти в 1681 году, состоял из трёх частей: 1-я и 3-я писались быстром темпе (аллегро), 2-я — в медленном (адажио или анданте). Именно эта форма, заимствованная у скрипичной сонаты и получившая название «итальянской», постепенно стала доминирующей[1][3].

Функции оперной увертюры уже в первой половине XVIII века вызывали споры; не всех устраивал её преимущественно развлекательный характер (исполняли увертюру обычно в то время, когда публика ещё только заполняла зрительный зал). Требование идейной и музыкально-образной связи увертюры с самой оперой, выдвинутое авторитетными теоретиками И. Маттезоном, И. А. Шайбе и Ф. Альгаротти, некоторым композиторам, в том числе Г. Ф. Генделю и Ж. Ф. Рамо, в той или иной мере удалось осуществить. Но настоящий перелом наступил во второй половине столетия[1].

Реформа Глюка

Кристоф Виллибальд Глюк, портрет работы Ж. Дюплесси

Симфония, развившаяся из оперной увертюры неаполитанского типа, во второй половине XVIII века уже сама оказывала влияние на музыкальный театр; сонатно-симфонический принцип развития, утвердившийся в мангеймской симфонии, в оперу впервые перенёс К. В. Глюк, считавший, что увертюра должна быть «вступительным обзором содержания» оперы[1]. В сонатной форме, с её тремя основными разделами — экспозицией, разработкой и репризой, воплотилась художественная логика классической драмы: завязка, развитие действия и развязка[15][16], — именно в такой форме Глюк представил в увертюре содержание своей оперы «Альцеста», написанной в 1767 году[17].

В реформаторских операх Глюка циклическая (трёхчастная) форма уступила место одночастной увертюре, призванной передать характер основного конфликта драмы и её господствующий тон; иногда увертюру предваряло короткое медленное вступление. Эта форма была воспринята и последователями Глюка — Антонио Сальери и Луиджи Керубини[1]. Уже в конце XVIII века в увертюре иногда использовались музыкальные темы самой оперы, как, например, в «Ифигении в Авлиде» Глюка, «Похищении из сераля» и «Дон Жуане» В. А. Моцарта; но широкое распространение этот принцип получил лишь в XIX веке[1].

Ученик Сальери и последователь Глюка Л. ван Бетховен усилил тематическую связь увертюры с музыкой оперы в своём «Фиделио», — таковы его «Леонора № 2» и «Леонора № 3»; тому же принципу программной, по сути, увертюры он следовал и в музыке к театральным постановкам (увертюры «Кориолан» и «Эгмонт»)[18].

Оперная увертюра в XIX веке

Опыт Бетховена получил своё дальнейшее развитие в творчестве немецких романтиков, которые не просто насыщали увертюру тематизмом оперы, но и отбирали для неё наиболее важные музыкальные образы, у Р. Вагнера и его последователей, в том числе у Н. А. Римского-Корсакова, — лейтмотивы. Порою композиторы стремились привести симфоническое развитие увертюры в соответствие с развёртыванием оперного сюжета, и тогда она превращалась в относительно самостоятельную «инструментальную драму», как увертюры к «Вольному стрелку» К. М. Вебера, «Летучему голландцу» или «Тангейзеру» Р. Вагнера[18].

При этом итальянские композиторы, как правило, отдавали предпочтение старому типу увертюры, порою до такой степени не связанной ни с музыкальным тематизмом, ни с сюжетом, что Дж Россини мог в одной своей опере использовать увертюру, сочинённую для другой, как это было, например, с «Севильским цирюльником»[19][18]. Хотя и здесь бывали исключения, такие как увертюры к операм «Вильгельм Телль» Россини или «Сила судьбы» Дж. Верди, с образцовым вагнеровским лейтмотивом[18].

Но уже во второй половине столетия в увертюре идею симфонического пересказа содержания оперы постепенно вытесняло стремление подготовить слушателя к её восприятию; даже Р. Вагнер в конце концов отказался от развёрнутой программной увертюры. На смену ей пришло более лаконичное и уже не основанное на сонатных принципах вступление, связанное, как, например, в «Лоэнгрине» Р. Вагнера или «Евгении Онегине» П. И. Чайковского, с образом лишь одного из персонажей оперы и выдержанное, соответственно, в одном характере[18]. Такие вступительные части, обычные в том числе и в операх Дж. Верди, уже и назывались не увертюрами, а вступлениями, интродукциями или прелюдиями. Аналогичное явление наблюдалось и в балете, и в оперетте[18].

Если в конце XIX века с новой формой вступления ещё соперничали увертюры, выдержанные в сонатной форме, то в XX столетии последние встречались уже крайне редко[20].

Концертная увертюра

Оперные увертюры, которые в то время ещё чаще называли «симфониями», на рубеже XVII и XVIII веков нередко исполнялись и вне музыкального театра, в концертах, что способствовало их превращению, уже в первой трети XVIII века (около 1730 года), в самостоятельный вид оркестровой музыки — симфонию в современном понимании[21].

Увертюра как жанр симфонической музыки получила распространение в эпоху романтизма и своим возникновением была обязана эволюции оперной увертюры — тенденции насыщения инструментального вступления тематизмом оперы, превращения его в программное симфоническое произведение[22][18].

Концертная увертюра — всегда сочинение программное. Ещё на рубеже XVIII и XIX веков появились увертюры прикладного характера — «праздничные», «торжественные», «юбилейные» и «приветственные», приуроченные к конкретному торжеству. В России увертюры Дмитрия Бортнянского, Евстигнея Фомина, Василия Пашкевича, Осипа Козловского стали важнейшим источником симфонической музыки[18].

В увертюрах прикладного характера использовался простейший — обобщённый, внесюжетный — тип программы, выраженной в названии. Встречался он и во многих сочинениях, не подразумевавших прикладную функцию, — например, в увертюрах Феликса Мендельсона «Гебриды» и «Морская тишь и счастливое плавание», в Трагической увертюре Иоганнеса Брамса, В эпоху романтизма широкое распространение получили симфонические произведения, в том числе и увертюры, с обобщенно-сюжетным и последовательно-сюжетным (отличающимся большей сюжетной конкретизацией) типом программы. Таковы, например, увертюры Гектора Берлиоза («Уэверли», «Король Лир», «Роб Рой» и другие), «Манфред» Роберта Шумана, «1812 год» П. И. Чайковского[18][23]. В свою «Бурю» Берлиоз включил хор, но здесь, как и в увертюрах-фантазиях Чайковского «Гамлет» и «Ромео и Джульетта», концертная увертюра уже перерастала в другой любимый романтиками жанр — симфоническую поэму[20].

В XX веке концертные увертюры сочиняли значительно реже; одна из наиболее известных — Праздничная увертюра Дмитрия Шостаковича[24].

Примечания

  1. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 Крауклис, 1981, с. 674.
  2. ↑ Конен, 1975, с. 347—348.
  3. ↑ 1 2 3 Штейнпресс. Симфония, 1981, с. 22.
  4. ↑ Аберт Г. В. А. Моцарт. Часть вторая, книга вторая / Пер. с нем., коммент. К. К. Саквы. — М.: Музыка, 1990. — С. 228—229. — 560 с. — ISBN 5-7140-0215-6.
  5. ↑ Одер, 2004, с. 161.
  6. ↑ Temperley, Nicholas. Overture // The New Grove Dictionary of Music and Musicians / edited by Stanley Sadie and John Tyrrell. — 2-nd ed. — London: Macmillan Publishers, 2001.
  7. ↑ Брянцева, 1981, с. 65.
  8. ↑ Ливанова, 1, 1983, с. 421.
  9. ↑ Одер, 2004, с. 162.
  10. ↑ Одер, 2004, с. 162—163.
  11. ↑ Burrows, Donald. Handel, 2-nd ed. Master Musicians Series. Oxford and New York: Oxford University Press. 2012.
  12. ↑ Брянцева, 1981, с. 81, 86.
  13. ↑ Fisher, Stephen C. Italian Overture // The New Grove Dictionary of Music and Musicians / edited by Stanley Sadie and John Tyrrell. — 2-nd ed. — London : Macmillan Publishers, 2001.
  14. ↑ Одер, 2004, с. 161—162.
  15. ↑ Кенигсберг А.К., Михеева Л.В. 111 симфоний. — СПб.: Культ-информ-пресс, 2000. — С. 18—20. — 669 с. — ISBN 5-8392-0174-X.
  16. ↑ Конен, 1975, с. 343, 359.
  17. ↑ Конен, 1975, с. 213—214.
  18. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Крауклис, 1981, с. 675.
  19. ↑ Конен, 1975, с. 112.
  20. ↑ 1 2 Крауклис, 1981, с. 675—676.
  21. ↑ Кенигсберг А. К., Михеева Л. В. 111 симфоний. — СПб.: Культ-информ-пресс, 2000. — С. 11. — 669 с. — ISBN 5-8392-0174-X.
  22. ↑ Хохлов, 1978, с. 444—445.
  23. ↑ Соколов О. В. Морфологическая система музыки и её художественные жанры. — Нижний Новгород, 1994. — С. 17. Архивировано 31 октября 2013 года.
  24. ↑ Крауклис, 1981, с. 676.

Литература

  • Брянцева В. Жан Филипп Рамо и французский музыкальный театр — Москва: Музыка, 1981.
  • Конен В. Д. Театр и симфония. — М.: Музыка, 1975. — 376 с.
  • Крауклис Г. В. Увертюра // Музыкальная энциклопедия / под ред. Ю. В. Келдыша. — М.: Советская энциклопедия, 1981. — Т. 5.
  • Ливанова Т. История западноевропейской музыки до 1789 года. — М.: Музыка, 1983. — Т. 1.
  • Одер А. Музыкальные формы / Пер. с фр. В. Шабаевой. — ООО "Издательство Астрель", 2004.
  • Хохлов Ю. Н. Программная музыка // Музыкальная энциклопедия / под ред. Ю. В. Келдыша. — М.: Советская энциклопедия, 1978. — Т. 4. — С. 442—447.
  • Штейнпресс Б. С. Симфония // Музыкальная энциклопедия / под ред. Ю. В. Келдыша. — М.: Советская энциклопедия, 1981. — Т. 5. — С. 21—26.